CREANDO UN PERSONAJE SOBRE EL ESCENARIO

  En ocasiones podemos querer llevar a un personaje sobre el escenario. Y esto, aunque en principio no lo parezca, es una tarea muy compleja. Representar un personaje no es solo bailar o cantar una banda sonora, o adaptar el vestuario para que se parezca. Obviamente se puede hacer de ese modo, pero llevar realmente un personaje al escenario es más que eso. Es mucho, mucho más. Es fusionar nuestro propio medio de expresión con la interpretación física. No hay mímica, ni palabras, pero sí un importante componente interpretativo.

  A pesar del esfuerzo que requiere, es realmente divertido. No subes tú a actuar, sube ese personaje que te ha encantado, con esa música que, en tu opinión, lo define. Supongo que es evidente, pero a mi esta mezcla con la interpretación, me encanta. Por eso voy a hablaros de como meteros en este berenjenal y salir indemnes. Como sobre todo me dedico a la danza, la mayor parte del articulo estará enfocado a ella, pero la mayoría de los puntos son extrapolables al canto o la música.

-          Lo primero es decidir el tipo de personaje que se quiere representar. Para ello hay que entender que hay varios tipos de personajes y según que tipo escojas, deberás enfocar todo lo demás. Aquí tengo que hacer un inciso. El personaje escogido puede no tener absolutamente nada que ver con un ser humano. De forma personal he visto subir al escenario lechuzas, unicornios, teriantropos, dragones… y a Cthulu. Sea como sea lo primero que debes considerar es si tu personaje es general o especifico.

Un personaje general es un personaje completamente genérico como, por ejemplo, un elfo de los bosques, un oráculo de la antigua Grecia, un vampiro ancestral… Un personaje específico tiene nombre, historia y personalidad propias, como el Capitan Reinolds (FireFly), Légolas (El Señor de los Anillos) o Arya (Juego de Tronos).

  Esta diferenciación es muy importante porque las características de un personaje general son mucho menos definidas que las de los personajes específicos, y esas características serán los materiales que utilicemos. Contra más definición, mayor dificultad. Y que conste que no lo digo para desanimar. Si tienes el deseo o el impulso para subir un personaje definido, hazlo. Lo disfrutaras a pesar del esfuerzo.

-          ¿Qué tipo de música debes escoger? Esto es uno de los pasos más importantes. Escoger erróneamente puede dar al traste con todo el trabajo que tengamos hecho o complicar innecesariamente el montaje entero. Es necesario elegir la música con mucho cuidado, ya que a través de ella debes hacerle ver al público a quien estás representando.

Bailar una banda sonora suele dejar muy claro a quién o qué estás representando, pero suelen ser músicas muy complejas. Una canción fuera de una banda sonora puede resultarnos mucho más cercanos a un personaje, general o especifico, y suele ser (no siempre) más sencillo de bailar, pero la actuación deberá ser más profunda. Al fin y al cabo, la misma música puede ser asociada a un fantasma para una persona y a una sirena para otra. Una tercera opción es hacer un montaje entre dos músicas, siendo una de ellas, parte de una banda sonora, por ejemplo, entrar con la intro de Harry Potter y enlazar con otro tipo de melodía.

-          Identificar gestos representativos. Esta es una de las herramientas más útiles que se puede utilizar. ES importante escoger tres o cuatro gestos que se puedan asociar al personaje que quieres representar. Estos deberían poder ser utilizados a lo largo del número, ya sea cantando o bailando (es decir, no escojas algo que no puedas utilizar o te sean físicamente irrealizables). Casi toda pieza musical te ofrecerá momentos en los que puedes introducirlos ya sea como una secuencia de poses o como acentos dentro del número.
Otra opción, que personalmente prefiero, es utilizarlos directamente en la composición de la coreografía.

En el caso de los personajes específicos se puede usar gestos que aparezcan en el libro o en la serie/película de la que se haya escogido. Arya (Juego de Tronos) escondería la espada tras el brazo o se pondría a la pata coja, Aragorn (El Señor de los Anillos) presentaría su arma al enemigo, Sybill Trelawney (Harry Potter) tendría gestos de loca y miraría en una bola de cristal. En el caso de personajes generales serian gestos que se asocien con las actitudes que tienen. Un pirata miraría a lo lejos, como si estuviera en un barco mirando al horizonte y bebería de una botella de ron, un borracho perdería el equilibrio y se marearia y un guerrero amenazaría y golpearía lo que tuviera por delante (aunque el público no lo vea).

  Por cierto, si tu personaje no es humano(ide) también debes hacer esto. Todo personaje tiene algún gesto representativo, aunque en este caso concreto, el buscarlos se mezcla con el buscar cómo debe moverse.

-          ¿Cómo se mueve ese personaje? Este es el elemento más analítico. Para adaptarlo tienes que mirar la forma de caminar, su carácter, como hace las cosas y en qué ambiente está. Todos estos elementos han de ser introducidos en la coreografía desde el principio, En mi caso, busco convertir cada movimiento en algo propio del personaje que quiero interpretar según los voy incorporando al montaje. Esto en principio parece muy complejo, y requiere un esfuerzo consciente a cada paso, pero es lo que más va a afianzar a tu personaje. Esto no solo es importante para bailar. Si se canta interpretando un personaje, es necesario llenar el escenario moviéndose como él. Por ejemplo:

Un hada es etérea, caminará casi como si volase y sus gestos serán suaves y fluidos, lejos de cualquier tipo de brusquedad; será juguetona y vivaz, así que se desplazará mucho, con movimientos amplios y desenfadados. Esto es completamente opuesto a un boxeador. Este hará desplazamientos cortos, con abundancia de rebotes cambiando el peso, y estará en tensión, esperando el golpe del contrario por lo que sus gestos serán cerrados y defensivos.

Ambos a su vez son distintos de una cortesana. Esta se moverá suavemente y de forma seductora (pero no sexual), como si se deslizase. Buscará la elegancia, pero, aunque pueda mostrarse traviesa, su objetivo no es el juego, así que sus gestos no serán tan amplios ni festivos.

En los personajes específicos esto se magnifica. Se deben combinar los elementos más generales con los caracteres propios. Gimly (El Señor de Los Anillos) es propenso a la ira, orgulloso y tendrá los atributos de un guerrero; Lolita (Lolita) no se moverá de forma agresiva, es un personaje atrapado, con un fuerte deseo de huir, pero no es agresiva, sus movimientos desprenderás introversión y miedo; y Anibal Lecter a pesar de ser un psicópata, jamás se retorcería como un demonio y su forma de moverse será elegante y agresiva a la vez.

-          ¡El vestuario también es importante! El tema del vestuario es la mayor diferencia entre subir a un personaje para cantar o actuar o para bailar. La danza requiere una libertad de movimientos que el canto no necesita y que en ocasiones no permite que el vestuario sea 100% fiel al personaje. Se debe buscar un buen equilibrio entre la imagen reconocible y la movilidad.

Si el vestuario conlleva elementos, como alas, espadas, tentáculos… debes decidir si solo van a ser un adorno o van a ser parte de la coreografía. Si solo van a ser un adorno, han de estar bien sujetos y no restringir la movilidad. En ocasiones, aunque no sea un elemento dancístico, puedes querer que tenga movimiento, por ejemplo, en el caso de una capa. Esto es especialmente complicado, porque es fácil enredarse con ellos. Esto solo se solventa con una mezcla de ensayo y suerte. Como consejo, si utilizas una capa, procura que sea lo más pesada posible, así tendrás un elemento con un movimiento bonito y menos posibilidades de accidente. Por desgracia, también es más costoso.

Si vas a utilizar esos elementos como algo activo, ten en cuenta que la coreografía se complicará bastante. Cualquier elemento limita los movimientos que se pueden realizar, además deberás utilizarlo siendo fiel a como los utilizaría el personaje y sin descuidar la técnica.

Un asunto aparte son las caracterizaciones. Orejas de elfo, cuernos de fauno, máscaras, pelucas, colas de caballo, colmillos de vampiro… son cosas que realzan el personaje, visibilizándolo aún más. Y en las fotos suelen quedar genial. El lado negativo es que bailar con estas cosas es cuanto menos, complicado. Las pelucas dan muchísimo calor, y sujetarlas de forma segura puede producir un dolor de cabeza bastante molesto; los colmillos provocan acumulación de saliva si no sabes tragar bien con ellos puestos; las orejas, cuernos y demás es fácil que estorben a la hora de realizar un movimiento de brazos o que se caigan en un movimiento brusco o un giro. El único modo de paliar esto es con ensayos continuos utilizándolos, así que te recomiendo tener repuestos. Con las prácticas, es fácil que se estropeen.

El maquillaje es otro elemento a tener en cuenta. Debe verse y reconocerse a  la perfección. Si quieres hacerte algo muy específico y/o no tienes demasiada práctica, el único consejo posible es que busques un buen tutorial en Youtube y préctiques hasta que puedas hacerlo casi sin espejo. Esto por supuesto, es extensible a los peinados. Ten en cuenta que no te estás disfrazando, ni haciendo Cosplay. Es fundamental que lo adaptes para hacerlo funcional sobre el escenario.

Al final lo más importante el ensayo continuo, con el vestuario al completo al menos en tres ocasiones antes de subir al escenario y, si manejas elementos, debería ser alguna más.

-          Entrar al escenario: El comienzo siempre es algo tan complicado como importante, pero si llevas un personaje lo es aún más. Escoger entre hacer una entrada o comenzar en escena es complicado.

Hacer una entrada puede ser espectacular, si está bien ejecutada, pero comenzar en escena puede permitirte hacer una pequeña teatralización que aumente el reconocimiento del personaje.

A la hora de decidir el inicio, has de tener en cuenta como elemento principal al personaje. Eric Draven (El Cuervo) no entraría corriendo o de cualquier forma apresurada en escena, un grupo de hobbits, tampoco. Sin embargo, un licántropo o una pantera, sí. Esto no significa que puedas comenzar del mismo modo. Un grupo de hobbits entrarían felices y probablemente con jarras de cerveza, mientras que Eric Draven entraría de forma dramática. Si escogieras comenzar en escena, los hobbits son personajes festivos, así que estarían celebrando algo, comiendo y bebiendo, quizás bailando, mientras que Draven estaría esperando y al acecho, o torturado por sus recuerdos. Los licántropos y las panteras son depredadores, pueden estar corriendo si están cazando o huyendo. La diferencia tendrás que marcarla con la actitud con la que realizas el desplazamiento.

  Con todos esos elementos tienes que montar la coreografía o preparar la letra, aquí debes cuidar la técnica. Ensaya mucho para poder interiorizar todos los elementos, y, lo más importante que debes recordar es, siempre, siempre, siempre… disfrútalo.

  Recuerda que estas convirtiéndote en un personaje que te gusta y que estás representándolo con una música que en tu interior lo define. Todo este trabajo, y en general el arte que practicas, no significará nada si no lo disfrutas sobre el escenario.

  Os dejo unos enlaces para que podáis ver cómo se lleva todo esto a cabo. Espero que os gusten tanto como a mi.

https://www.facebook.com/watch/?v=1105536252990346  Lady Vamp interpretando a Regan (El Exorcista). No apto para cardiacos, jejeje.

https://www.youtube.com/watch?v=MDy_XrWfxHY&list=RDMDy_XrWfxHY&start_radio=1&t=12 El famoso video del Ballet Chino representando las ranas del lago de los cisnes.

https://www.youtube.com/watch?v=p8JBnFKRBzE Unos cuantos leones en la gala Wild. La gala al completo es impresionante.

https://www.youtube.com/watch?v=emU3VCIMuH0&list=PL4r-3RCeEl5ewMVL_4OYwtV4ujYYDjYQo&index=12 Y aquí tenemos un árbol.

  ¿Conocéis algún ejemplo más? ¿Hay algún personaje que os gustaría representar? ¡Contadnoslo!


KUROEVE TRIBALDANCE